「大师访谈录」艺术个性高于技巧，触底困境使人成长

柚子老师最近给机构同学们买了一批新书，其中《动画大师课》我觉得这套书很不错，想和大家分享一下。

本期我们将分享著名动画设计师、插画艺术家—马科斯·马特乌-梅斯特的访谈记录，他谈论到的对艺术的理解、成长障碍的应对方式、以及推荐的名家大师等等，都值得大家关注和学习。

● 如何处理成长中的障碍

● 如何发展个人独特风格

● 动画/插漫艺术家推荐

● 大师作品的理解技巧

● 探索绘画创作的媒介

● 创作的传统手段与现代手段

● 绘画艺术家面临的挑战

马科斯·马特乌-梅斯特(Marcos Mateu-Mestre)

一位视觉概念艺术家、传统动画设计师、小说插画艺术家，拥有近三十年的动画创作经验。他参与的电影作品包括《小狗波图》《埃及王子》《阿斯特里克斯和维京海盗》《冲浪企鹅》《驯龙记2》等。他的电影作品主要与梦工厂和索尼动画合作，主要负责构图、灯光和视觉连续性等电影方面的设计。十多年来，他还教授绘画、插图和故事视觉创作的相关技巧。

对我来说，麻烦越多越好。我通常先是跌入谷底，然后反而找到了人生中最美好的地方。因为艺术也遵循一个真实的反应:我们越是陷入困境，就越是会成长。每当回首往事，我会越发认识到所走过的道路的重要性，越能感觉到整体的进步。这意味着挑战使人进步。

成为一名艺术家或设计师，意味着要抓住机会走出你的舒适区，从每项工作中发现你从前没有意识到的吸引力和美感，然后考虑什么样的艺术加工能将它变成有价值和令人兴奋的东西。例如，让战斗场景有视觉吸引力可能很容易，但是我能让摆在桌子上的叉子看起来同样有意义和吸引力吗?

有很多我欣赏的非常出色、有才华的艺术家，我知道他们都是在恶劣的条件下到达了现在的创作水平，有的人家庭和周围环境根本不在乎也不了解什么是艺术。然而，他们却成长为我学习的榜样。我觉得我们每一个人都需要对自己所处的环境感到感恩，去发掘那些生活中值得你感激的部分，比如现在的学生们，他们可以自由地选择从事艺术相关专业的学习甚至是相关工作，那何其不是一种成长中的幸运呢？换个视角看待生活和成长，也许你就会发现障碍并没有那么多。

想要发展出自己独特的艺术风格、不被他人的风格所左右，最重要的就是要意识到自己对事物的看法，观点都源于自己的经历，而不是对别人观点的复制。一个人沉迷于别人的创作方式，复制其他艺术家的风格，是对其表象的沉迷。这纯粹是对他人理解力的欣赏，而忽略了表达自己观点的意义。

很多年前，我读过一篇对多位美式漫画艺术家的采访。他们都被问道:“你最喜欢的同龄人是谁?”所有的答案都是几位天才艺术家的名字，我们中的许多人都从他们那里学到了很多东西。只有一位受访者给出了独特的回答:“任何一位艺术家，我都可以看着他(或她)的作品，立刻说，'我知道这是谁画的’" 那时我在想:"如果有的人的创作极具识别度，但不够出色会怎样呢?”

随着时间的推移，我调整了自己的立场。诚然，扎实的技术和才华对一项有价值的工作是必不可少的，但拥有自己的个性、独特的观点和对事物的诠释角度也是必不可少的。

我相信我们所有人都会(自觉或不自觉地)从我们欣赏的其他艺术家那里获得灵感、影响和知识。这不仅是普遍而合理的，也是我们在艺术生涯中不可避免地导求所有帮助的手段，尤其是早期起步阶段。但这种帮助只限于帮助我们理解事物，但决不能取代自我意识。

我第一次接触漫画是20世纪60年代中期西班牙版的(丁丁历险记》(The Adventures of Tintin)，那时我大约四五岁，乔治·勒米(Georges Remi，笔名:埃尔热)是一位大师，他教会了我们许多知识，比如:节奏和氛围在故事中的重要性和意义，怎样安排每个时刻和每一个场景的位置，怎样制造无法取代的悬疑、神秘和阴谋感，以及如何通过参照物营造视觉上的可信感。

我还记得那个时候由原名吉尔伯特·加斯卡(Gilbert Gascard)导演的里克·霍切特(Ric Hochet)的历险故事，尤其是《波克罗勒之谜》(Mystere a Porquerolles)想象一下，当我在几英里外的马略卡岛上长大的时候，在离我家很近的地中海的小岛上正发生那样引人入胜的故事。更不用说雷蒙·马舍罗(Raymond Macherot)创作的《克利夫顿上校》(Colone/Clifton) 了，开场镜头是在伦敦国会大厦，一颗大钻石被盗之前安静的(甚至有些恐怖的)雨夜。这些东西会伴随你一生。我现在55岁了，仍然觉得这些故事充满魅力。想象一下，当时这个才来到这个星球5年的小男孩，第一眼就获得了未来无限的可能性。

我第二个重要时期是在70年代初，有一天我父母带着一本西班牙杂志Trinca回家。那么多年了，我虽然除了画画什么也不爱做，但我并不知道如何安放我的艺术激情，使它可以永远成为我生活的一部分。当我一眼看到维克托·德拉富恩特(Victor De LaFuente)大师画的《马太多》(Mathai-Dor)时，这个问题就迎刃而解了。我可以告诉你，在那之后我再没有疑虑了，漫画就是答案--通过连续的画面讲述角色的奇妙冒险。

几页之后是另一位大师安东尼奥·埃尔南德斯·帕拉西奥斯(Antonio Hernandez Palacios)的作品《厄尔·西德》(ElCid)，他笔下不仅有华丽的画面--远不止如此--他把活生生的历史和史诗般的人物送到了你的眼前。

70年代到90年代是我认为艺术家遍地开花、佳作频出的二十年。在我的艺术激情被激发后，我看了很多我认为是有史以来最优秀的艺术家的作品，它们能够帮助我更好地理解事物，带给我绘画的灵感，是我艺术道路上的启蒙。

我也要把这些大师推荐给大家：杰西·布拉斯科·蒙特尔德(Jesus Blasco Monterde)、雨果·普拉特(Hugo Pratt)、阿尔贝托·布雷西亚(Alberto Breccia) 、弗兰克·弗雷泽塔(Frank Frazetta) 、让·吉拉德(Jean Giraud)、何塞·路易斯·萨利纳斯(Jose Luis Salinas)、阿图罗·德尔·卡斯蒂略(Arturo Del Castillo)米尔顿·卡尼夫(Milton Caniff)、弗兰克·罗宾斯(Frank Robbins)、塞尔吉奥·托皮(SergioToppi)等，不胜枚举。

作为艺术家，对这些人留下的遗产我们永远感激不尽。

我们对一位偶像产生崇拜会有很多原因。对我来说，这种钦佩是源于他们的画工、掌控力和纯熟的表现技法，但也有更个人化的原因:对他们的作品中表现出的用视觉方式挑战和解决问题的高明手法的认可，我一直认为这是一个需要优先解决的重要问题。

对这一问题的共识在艺术家的作品和我之间建立了个人化的纽带，我会说:"这个人也注意到了我画画时觉得重要的东西，并以我赞成的方式解决了问题。"

另外一个更好理解艺术家的作品、并且能够从中获得学习和帮助的办法就是要去关注作品的表现方式。这些重要的表现方式包括特定线条的运用，对物体肌理的刻画，体积感的表现力，人物的面部表情，肢体语言，令人信服的光效、气氛渲染。

从本质上说，如果你正处在艺术生涯的起步阶段，那么这些艺术家的作品会帮到你很多，他们可以提供那些困扰你的视觉表现手段的解决方式。这些有才华的人就像艺术学校的老师在教室或工作室一样，为你提供了指导。

艺术家的作品相互影响是很自然的事。除了在拉斯科、阿尔塔米拉、孔多亚·伊兰吉、马蹄峡谷那几个著名的洞穴中留下栩栩如生的动物和猎人轮廓的原始文明，我觉得自那之后，没有多少人能真正摆脱别人的影响。

不管怎样，只要这种影响只是作为起点或作为个人成长的基础，成为个人建立自身风格和工作的一部分，那这些影响就具备极高的价值。

我们中时常会出现非比寻常的、卓越的、声名显赫的天才，他们成了“改写游戏规则的人”--他们对事物富有远见且理解力超群，即使处理别人眼中的普通问题，他们也会用前所未有的方式从更本质的层面思考:毕加索(Picassos)、莫奈(Montes)、列奥纳多·达·芬奇(Leonardo da Vinci)、委拉兹开斯(Velazquezs) 、莫扎特(Mozarts)、希帕蒂娅(Hypatias)、玛丽·居里(Marie Curies)和爱因斯坦(Einsteins)等都是这样的人。

我是很鼓励现在正在学习绘画的同学们、青年艺术家们去尝试更多的创作手段的。学习的方式多种多样，有的学生选修油画课，还有的参加摄影课，学习如何通过不同的镜头观察，来获得摄影机影响图像的直观经验，并思考如何将其应用到他们讲述的故事中。

这样的学习方式肯定会帮助到大家更好地找到解决问题的路径，使创作看起来更丰富、更完整、更复杂。只要我们能够传达我们需要传达的信息，我们就可以将各种技法单独或者组合使用。

我喜欢伟大的角色和故事，这也是一部优秀的动漫作品所必须要呈现给观者的。但是我想强调的是，假设一部作品只有精彩的故事，却没有引人入胜的画面作为支撑的话，那也是不足够的。如果有人向我推荐一本漫画仅仅是因为精彩的故事，但画面不能在第一时间吸引到我，那我也很难真正读得进去。

当我说“画面吸引到我”，不仅仅是指绘制精美的图片，当然有这个因素，但这只是一部分。我更多是指能在某种层面上表现出的引人入胜、富有表现力和吸引力的东西-第一眼就能带入角色和故事，而且气氛和节奏与读到的故事完美匹配的感觉。

画面表现可以是写实的、风格化的、极端风格化的、抽象的、童真的，无论是充满活力的笔触，还是舒缓流畅的画风，总之是有表现力的，那种“正确”的表现力，伴有纯熟恰当的技法，那我就会投入其中了。

我认为艺术有双重的基本特征，一方面是创作中强烈的表达欲望，另一方面是掌握绘画的技法规则，绘画就是将创作欲望以物理方式落实在纸面上。于是问题来了:早期经历的所有热爱和强烈情感，最终会被你试图固化的技法束缚起来。在这两者(创作欲望与技术)之间寻求平衡可能是一个有趣的过程。

对我来说，在找到解决方案之前，我首先意识到这个问题的存在。正好在几年前，我偶然找到了些好几年前的画稿，竟然比我最近在用的“纯熟的技法”画得更自由。然后我意识到，由于太过于专注技法，我在追求艺术的旅途中错过了好几站，这肯定影响到了我的作品与读者间的交流。

之后我开始有意识地寻找这种阔别已久的自由和松弛的状态，同时我相信，即使我为追求从前忽略的更具表现力的绘画方式暂时放弃了对技术的修炼，在技法方面积累的经验和所取得过的成就也不会消失。

无论是美术创作还是商业创作，我们现在所谓的“传统方式”曾经是制作艺术品的唯一手段。在商业创作中，由于其最终目的是在制作电影的过程中印刷或使用，而不是展示原稿，因此每当插图、漫画页面、画格，甚至画格的某个部分对作者来说不是100%满意时，作者编辑原稿时通常会剪掉并替换不需要的部分，甚至用修正笔覆盖这些问题区域，然后在上面返工。

现在，当从事商业创作(印刷、电影工业等)时，能随意使用这些传统的和现代的手段是很好的。如今，过去对文字剪剪贴贴或者用留白胶的步骤已经数字化了，只要我们愿意，任何由铅笔、圆珠笔、马克笔等绘制的艺术品，都可以通过合适的软件很方便地扫描和编辑。

在过去的几十年里，数字技术的兴起使我们能以快速、干净的方式编辑我们在绘画中不喜欢的部分，这极大地解放了人们的思想，因为人们不再担心出错的可能性。数字技术极大地拓展了创作的外延，帮助人们更好地探索技法与表现力之间的理想平衡。

有时作为艺术家，当我们画这画那的时候，面对那些从前敢看不敢画的东西，如果不能画出其中足够的复杂度，或彻底简化它，或缺乏处理它的兴趣，从而画不到专业的程度，常会让我们陷入沮丧甚至非常绝望的境地。但即使一时画不好，也必须深入彻底地了解它。我们可能最终会达到大师水平，或者只是初步掌握，但只要有进步，我们就会觉得走对了路，随着更多创作机会，可以不断重温这一主题，一步一个台阶地进步。

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