16年了，它仍然是最好的北京爱情故事

《开往春天的地铁》是北影节今年唯一一部胶片放映的电影。因此，4月7日或许变成了一个值得被纪念的日子。

时隔16年，《开往春天的地铁》重新回到我们的视野中。

张一白导演在百老汇电影中心参加映后谈

导演张一白本身并非电影专业出身，他毕业于中央戏剧学院，学的是舞台剧，用他自己的话说：“本来就没想到要当导演嘛。”

不过在一般人的心中，舞台剧和电影这两种东西的界限还是颇为模糊的，觉得舞台剧能导演的好，那么电影也就一定能行，可能是出于这样的原因，才找到了张一白来导演的这部电影。不过正因为是处女作的原因，张一白在这部电影中表现出来的胆量也异常的大，“反正是处女作，别人对你是没期待的，我自己呢，也没有。”

抱着这样的想法，当时的张一白就放手去干了，也因此促成了《开往春天的地铁》这部电影浓郁的舞台剧气质。张一白在这部电影中所运用的手法，即使是现在来看也称得上是时髦，再加上这部电影是在16年前拍的，就更是了不得。

打破第四面墙，直接和观众对话，这种手法放在一个以叙述为主的故事片中其实是一件很危险的事情，因为这样很容易让观众出戏，从故事情节中脱离开来，玩得好叫间离效果，玩的不好可能就直接砸锅。因此大多数导演对此都很谨慎，哪怕用了，也会用诸如镜子、玻璃墙之类的东西做个掩饰。

但张一白在这部《开往春天的地铁》中却像是个泼墨派画家一般大肆地运用了这样的手法，他不光打破了第四面墙，干脆连另外三面也一起打破了，把平面的大银幕变成了一个没有墙存在的舞台。

在这部电影中，电影演员成了舞台剧演员，里面充斥着大量的独白，甚至是定格的独白。比如徐静蕾踢耿乐屁股的那场戏，徐的脚丫子就那样的停在了半空中，转过头来面对观众，开始倾诉自己内心的心理活动。

在当时，除了张一白还有谁敢这么拍呢？这种反常规的做法也确实取到了非同一般的效果，观众不再把这部电影当做是对生活的仿真，而是真的像是坐在了剧院的观众席上，看一出舞台剧，在台下和演员们进行互动，体味着他们的悲喜，因而也能从一般意义上的剧情沉浸中脱离开来，真正和人物产生了共情。

除了大量的独白以外，这部电影的镜头调度和布景都是极度舞台化的。除了几场地铁站里和地铁站外、门内和门外之间的镜头切换以外，在其他时候几乎一个场景就是一场戏，并且每一场戏里，都设置了一个小高潮。

这种处理手法可能是缘于张一白创作舞台剧的惯性（毕竟舞台就这么大，不可能有太多的空间变化），但却误打误撞地让这部电影从头到尾都有着不同寻常的戏剧张力，不同于一般的叙事片在前面不断地铺陈，在最后或者中后段来一个高潮，引动观众的情绪，这部《开往春天的地铁》一直不断地在观众的心中埋下一个又一个的小炸点，让观众的情绪持续累积，最后爆发开来，实打实得有效。

而这部电影的布景和用光，是我最爱他的地方。

最有代表性的就是那两场浴室戏，一场是两人在浴缸里缠绵悱恻，一场是两个人在花洒下混着爱与愁的激烈拥吻。

在浴缸里的那场戏的主色调是红色，红色是爱情的颜色，红色的光从玻璃墙外透过来，水光潋滟，情欲满满；花洒下的那场戏的色调是蓝色，室内的灯光和窗外的夜幕调和成的蓝映着莲蓬头洒落的水，像是伤心人的泪。

不得不说，如果《开往春天的地铁》的剧本没有被拍成电影，而是拿去做话剧，我想这部剧的成色一定不会输给《恋爱的犀牛》这样的名作。

但《开往春天的地铁》的好，不仅仅是因为它移用了话剧的元素，更在于电影蒙太奇自身的独特魅力。

电影在本质上还是要比舞台剧更自由的，我想这也是为什么张一白会选择从舞台剧转向电影的原因。在《开往春天的地铁》里，他讲了三个爱情故事，在最后这三条线索拧成了一股，共同指向了同一个主题：在爱情里，人应该如何自处。张一白用三个小故事，将城市人感性的一面表现得丝丝入里，这在后来的《将爱情进行到底》电影版中更得到了复现。

人都说话剧要比电影小众，但在我看来，某种意义上，话剧却是比电影更“长寿”。像《恋爱的犀牛》这样的经典可以在舞台上一演十几年而不衰，而且常演常新，但像《开往春天的地铁》这样的电影，一旦离开院线，便再难大银幕相见。

因此，时隔十六年的今天，还能在电影院和这部影片重逢，感受胶片之美，我想这是一种缘分，更是一种幸运。

感谢张一白导演。16年了，我们仍然在等待那趟开往春天的地铁。

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