发迹于街头和潮流，但“街头艺术家”的终极梦想是占领美术馆

发布时间：2025-05-15 20:12

KAWS的艺术从街头来到美术馆意味着什么？对艺术家本人来说，他并不认为代表公共领域的街头与画廊，公共美术馆，这些不同的场地会给他的艺术传达带来不同的效应。

KAWS位于布鲁克林威廉斯堡的工作室是他进行绘画创作的中心场所。这个阳光丰沛而且远离闹市的空间，由同样设计OriginalFake东京旗舰店和所有BAPE 直营店的设计师片山正通于设计，并于2013年完成。外观采用红褐色转块砌成，KAWS INC. 与周围的大部分工厂建筑在视觉上达到了和谐的效果。工作室的一层直通透明玻璃搭建的天井，室内通透敞亮，与KAWS个人的极简风格相符。墙壁的两侧挂着形状大小各异的帆布画架，有些几近完成，有些仅带有几笔粗略的草图。这层除了未完成的作品以外，吸引人眼球的还有大量Golden牌丙烯颜料罐，每个色号都为KAWS独家定制。KAWS 平时只有两到三位助手, 与杰夫昆斯, 蔡国强等一流艺术家十几二十人的团队相比，KAWS团队显得十分低调。

KAWS在纽约布鲁克林的工作室中（图片：黎晓亮）

KAWS也许是超级艺术明星中最腼腆, 说话最柔和的一位。作为两个孩子的父亲，他少有时间外出社交，他的生活以两点一线的方式在工作室和家之间展开。KAWS选择把他的居所和工作室安排在骑自行车五分钟以内的距离。每天早上到达工作室以后，他通常会在更加私密的二楼空间进行草图设计。二楼的会客厅暴露了KAWS艺术藏家的身份；十几平米的空间内，以沙龙风格的展示方式呈现了包括H.C Westermann, Karl Wirsum, Kenny Scharf 和Peter Saul在内的美国艺术家。在全世界范围内拥有包括流行巨星Kanye West, Pharrell Williams在内的无数追随者的KAWS，在这些藏品面前也变成了个小粉丝。不工作的时候，他习惯看着他的这些“精神食粮”做白日梦，比如说把1961年的Wirsum和1962/63年的Saul放在一起，想象六十年代的社会背景。对他来说，这些艺术家不断共给他养分，让他产生新的联想与认知，不断学习到新的艺术形态和艺术家。2015年，KAWS还借出自己的收藏，在位于新奥尔良的图兰大学画廊策划了一个名为“共享空间”的KAWS, Karl Wirsum和Tomoo Gorkita三人展。“共享空间”以一种私人的，感性的方式探索了这三个艺术家之家的联系，让观者能够穿透他们在艺术形态上的不同，看见他们作品里共同展现的幽默内涵，对流行文化的关注，和对令人不安的意象的应用。

今年三月, KAWS的个展“始于终点”从得克萨斯的沃思堡美术馆 (Modern Art Museum of Fort Worth) 来到上海的余德耀美术馆，展示了他超过二十年创作生涯中的作品：包括从早期的广告涂鸦到现在的大型雕塑和抽象绘画。早在2011年，沃思堡美术馆就以“焦点(Focus)”为议题，为包括KAWS在内的一批事业处于蒸蒸日上的艺术家举办小型展览。将“始于终点(KAWS: WHERE THE END STARTS)”从安藤忠雄(Tadao Ando) 设计的沃思堡建筑空降到余德耀美术馆, KAWS必须面对余德耀更加巨大空间带来的挑战，但他认为这也是一个可以将最大的几个雕塑放在同一个空间内展示的绝佳机会。

KAWS在沃思登现代美术馆举办展览（图片：KAWS工作室）

今年42岁的KAWS已经是美术馆展览的常客。曾经在英国约克郡雕塑公园美术馆 (Yorkshire Sculpture Park), 西班牙马拉加当代美术馆(Centro de Arte Contemporaneo de Malaga), 堪萨斯纳尔门当代美术馆(Nerman Museum of Contemporary Art) 等机构展出，吸引了大量年轻人加入美术馆参观的行列，甚至改变了美术馆少有人问津的情况。

2013年，KAWS在宾西法尼亚美术学院美术馆的展览创造了该美术馆历史上参观人数最高的纪录。这栋融合哥特和伊斯兰风格的建筑有着超过150年历史，收藏着由1760年到当代的美国艺术。在保留馆内大部分古典藏品的情况下，美术馆邀请KAWS展示他的雕塑与绘画，与美术馆的建筑与藏品在时空错乱的情况下碰撞出了火花，重新激活了超过百年的生命。KAWS在展览设计时，考虑到了现有艺术品的历史和陈列方式，在一面墙上展示几十幅小型油画时，他复制了对面墙壁沙龙风格的悬挂方式，他的波普作品与对面的古典作品在大小和排列方式上以镜面反射的方式出现。古典建筑与当代艺术的结合已经成为趋势，从村上隆与凡尔赛宫到JR与卢浮宫的合作，人们一次次见证当代与古典结合带来的争议与魅力。

KAWS作品在宾夕法尼亚州美术学院美术馆中（图片：KAWS工作室）

KAWS的艺术从街头来到美术馆意味着什么？对艺术家本人来说，他并不认为代表公共领域的街头与画廊，公共美术馆，这些不同的场地会给他的艺术传达带来不同的效应。他认为，同样是与人沟通，在美术馆里的唯一不同可能就是，人们已经预设了对艺术的期待。画廊和美术馆，凭借其在社会中的固有地位，加强了展出物品或概念作为“艺术”的地位。我们所知道的艺术，是一个相对新的现象，它在画廊展出，被美术馆保管，被收藏家购买，并在大众传媒中被复制。当一个艺术家创作一个作品时，这件作品自身并不存在内在价值，但是当它在艺术的系统里流动起来时，经过画廊，艺术史，出版物，美术馆的洗礼之后，它便有了更深的意义，更广泛的重要性，有了比任何现代世界里的事物更具增值的潜力。但是KAWS的事业发展似乎不符合这样的规律。他的首次个展于1999年在巴黎潮人聚集的Colette举行，他的火爆来源于他的网络活动，而不是经济实力和学术实力强大的背后操作。网络开创了一个全新的公共领域，和一个反私人空间的黑暗网络。它让人们能够通过口口相传或者一键分享来进行宣传。网络从强大的广告商，品味和政治制造者那里分走了一定的力量，通过免费信息分享，从一定程度上学弱了资本主义经济的实力，并模糊了工作与休闲，大型公司和私家制作，公共与私人之间的界限。KAWS十分聪明地参与了这样一个新公共领域的诞生，利用其信息传播的途径，为自己的创作打开了一片思想独立，渴望前卫风格的受众。

KAWS作品在宾夕法尼亚州美术学院美术馆中（图片：KAWS工作室）

画廊和美术馆既定模式的改写和近年兴起的 “局外人” 艺术有着紧密的联系。 “局外人” 艺术来自于原本不属于艺术系统，例如艺术院校专业教育，但是从事创作的个人或团体。2013年的威尼斯双年展专门设立了 “局外艺术” ，策展人的目的是向艺术系统发问，试图撼动以大写字母 “A” 开头的 “Art” 的权威性。今天所谓的 “Art” 来自于北方和意大利文艺复兴，也正是从那时候起，掌握知识和有鉴赏能力的人和没有受过教育的，无法将个人经历与文艺复兴巨大成就联系起来的大部分之间，出现了一道鸿沟。KAWS利用网络的兴起，试图跨越这道从十二世纪文艺复兴开始便存在的鸿沟。他说， “我一直在考虑如何能把躲在自己的洞穴里的孩子拉出来和其他部分的世界联系起来？” “对我而言，这像异花授粉一样，给我一个机会，把追随我的小孩儿带到美术馆里去。小时候第一次接触艺术是通过涂鸦，滑板和潮流商店。我记得基斯哈林(Keith Haring)让我能够自在地走到画廊或者美术馆里。我想做的是没有人会因为不够聪明而不懂的东西。”